Нет ничего досаднее, чем видеть, как удачно сказанное слово умирает в ухе дурака, которому ты его сказал
(Шарль Монтескье)

Все произведения автора

Все произведения Избранное - Серебро Избранное - Золото Хоккура

Сортировка по рубрикам:

К списку произведений автора

Публицистика

От модерна до хай-тек

От модерна до хай-тек

Из истории дизайна
В последние годы только и слышишь – дизайн интерьера, дизайн журналов или книг, архитектурный дизайн в стиле хай-тек, арт деко или поп-арта. А ведь совсем недавно искусство дизайна сводилось к бедным витринам советских гастрономов и универмагов, где можно было «любоваться» исключительно убогими пирамидами из банок сгущенки и пачек масла, или манекенами, похожими, как выразился один из персонажей фильма «Мимино»: «Возьми кошку, сунь ее в ведро с водой…»
С бурных 1990-х г. дизайн в России востребован практически во всех сферах жизни. Без советов дизайнера не обходится ни обустройство крупных офисов, ни ресторанов, ни интерьеров элитных гостиниц, квартир, бутиков, казино. Услуги дизайнеров используют при создании новых моделей автомобилей, одежды и аксессуаров к ним, при создании драгоценных украшений, часов. Дизайнеры разрабатывают новые стили, но используют и достижения предшественников. Весь этот разнообразный гламурный мир, тем не менее, подчиняется специальным законам искусства, законам «жанра» и мы попытаемся в этой статье немного разобраться в стилях и направлениях дизайна.

Все началось в 80-х гг. XIX в., когда в искусстве появился элегантный, многожанровый стиль «арт нуво», что в переводе с французского означает «новое искусство». Его рождение ознаменовало наступление века великих перемен в искусстве на фоне промышленной революции. Художники и дизайнеры выступили против засилья стилевых заимствований из разных исторических эпох, которые смешивались в битком набитых викторианских гостиных в невообразимую мешанину. Появление влиятельного среднего класса привело к росту спроса на изящные вещи. Однако механическое тиражирование красоты привело к неразборчивости и безвкусице. Новый стиль возник почти одновременно во многих европейских странах и получил разные названия. Во Франции вместо «арт нуво» использовались термины «метро», «стиль Гимара» - по имени архитектора Гектора Гимара, автора уникального дизайна входов в парижский метрополитен. В Бельгии новый стиль называли «стилем Орта», по имени архитектора Виктора Орта; в Германии - «югендстиль», в Италии – «цветочный стиль» или «Либерти», от одноименного названия лондонского универмага Артура Либерти; в Австрии использовался термин «сецессион», по названию группы Sezession, созданной в 1897 г. в Вене. Использовались также термины «стиль 1900 года», «стиль линий», «стиль волн», «студио» и даже такие насмешливые названия, как «вермишель», «угорь» и др.
Стилистической особенностью арт нуво стал отказ от прямых линий и углов. Источником идей для художников была природа… и книга В.Кандинского «Касаясь духовности искусства» (1911), которая стала программным документом раннего модернизма. Оригинальность этого стиля базировалась на орнаментальной волнистости линий растительного и животного мира, напоминающие танцующие арабески, проникнутые оргиастической энергией и жизненной силой. Бутон - символ появления новой жизни, экзотические растения с длинными стеблями и бледными цветками стали визитной карточкой модерна, как и лилии, кувшинки, ирисы, орхидеи. «В моде» были женщины с длинными струящимися волосами, яркие и грациозные насекомые и птицы - стрекозы и бабочки, павлины и ласточки. Декоративность арт нуво коснулась практически всех предметов бытового потребления, одежды, фасадов, оформления интерьеров частных особняков, магазинов, ресторанов. Фирменным знаком этого стиля стала знаменитая вышивка Германа Обриста «Удар бича» на портьере 1895 г. Первоначально работа называлась «Альпийские фиалки», но когда какой-то критик сравнил бешеные движения стебля растения с «яростными изгибами обрушивающегося бича», родился термин «удар бича», который вскоре стал эмблемой стиля арт нуво. Арт нуво стал не только новым стилем, он стал новым мировоззрением, синтезировавшим все виды искусства. Архитекторы и художники стремились к тому, чтобы все элементы здания, убранства его интерьеров были связаны в единое художественное целое, т.е. стремились к созданию архитектурного ансамбля. Принцип художественного единства придавал каждому проекту поразительную целостность и художественную завершенность.
СПРАВКА. У истоков концепции эстетического синтеза стоял Уильям Моррис (1834-1896), английский ремесленник, художник, поэт и социалист. Он опирался на трактаты искусствоведа Джона Рескина, который исповедовал эстетический принцип единства Красоты и Добра, утверждал, что предметное окружение общества свидетельствует о его моральном состоянии. В свое доме Моррис совместно с друзьями-художниками пытался создать гармоничную среду, которая послужит матрицей идеальных человеческих отношений. Эксперимент Морриса повторил бельгийских мастер модерна Генри Ван дер Вельде, построивший для себя особняк «Блуменверф», для которого самолично спроектировал все элементы, от столовых приборов и дверных ручек до эскизов одежды для всей семьи.
Яркими примерам дизайна в стиле модерн являются и интерьерные работы бельгийца Виктора Орта; интерьеры и мебель в особняках испанца Антонио Гауди; решетки парижского метро и мебель Гектора Гимара, интерьеры, решетки и мебель в Мюнхене Августа Энделя, Берхарда Панкока; витражи работы Луис Комфорта Тиффани; изделия из стекла и мебель Эжена Галле, Луи Мажореля, Виктора Пруве, Эжена Валлена, Жака Грубера и др.
На ином принципе строили поиск мастера школы Глазго, возглавляемой Макинтошем и представители «венского Сецессиона». Они создавали более сдержанную разновидность арт нуво. Стилевое своеобразие школы Глазго характеризовалось геометричностью форм в сочетании с кривыми линиями поверхностных декоративных элементов. Здания, интерьеры и мебель, созданные по проектам Чарльза Макинтоша, во многом предвосхитили прямоугольную функциональность модернизма 20-х гг. ХХ в. Геометричность стиля Глазго оказала решающее значение на развитие нового стиля в Австрии и Германии. Представителями венского Сецессиона были Отто Вагнер, Йозеф Мария Ольбрих, Йозеф Хофман. В Германии «югендстиль» (молодежный стиль) развивали Петер Беренс, Отто Экман, Рихард Римершмид.
Поздний модерн повсеместно испытывал давление возобновившегося тяготения к классической форме, он стал переходным этапом к новым стилевым направлениям начала ХХ в. Так возник стиль арт деко, на функционализме основе которого, в свою очередь, выросла философия формообразования современного дизайна. Сегодня арт деко во всем мире признается стилем эффектности. Его становление относят к 1908-1912 гг., расцвет - к 1925-1935-м. Хотя термин происходит от названия международной выставки декоративных искусств и ремесел, состоявшейся в 1925г., однако как термин, обозначающий художественный стиль, он используется лишь после возрождения подобной выставки в Париже - с 1966 г.! До этого его называли «джазовый модерн», «зигзаг модерн», «обтекаемый модерн».
Арт деко пользовался огромной популярностью у современников, да и в наши дни остается эффектным средством создания элегантности и роскоши. Своему возникновению арт деко обязан как влиянию модернизма, кубизма и баухауза, так и древнего искусства Египта, Ближнего Востока, Африки. Стиль арт деко сочетал в себе неоклассицизм и обтекаемость, грациозность и игривость, монументальность и изысканность. Художники этого стиля предпочитали эксклюзивное изготовление предметов, в производстве которых использовались ценные и дорогие материалы - змеиная кожа, слоновая кость, бронза, кристаллы, экзотическая древесина. Излюбленные формы арт деко - геометрические орнаменты из многоугольников, овалов и кругов, ромбов, а также растительные формы модерна, заимствования из египетской, африканской и других восточных культур. Таким образом, в этом стиле сочетаются множество направлений: элегантно-классический, экспресссивно-экзотический, модерн.
Арт деко начался с упоения роскошью и орнаментом, но впоследствии изменился в сторону концепции функционального дизайна, впервые выдвинутой Баухаузом. Это произошло, когда немецкие дизайнеры прибыли в Америку, спасаясь от преследований фашистов, и привнесли свои идеи в американскую школу искусства. В 30-40-х гг. арт деко завоевал США. Стильность мебели достигалась за счет обтекаемости силуэтов, покрытия обычных, массивных прямоугольных форм светлым шпоном красного дерева и бежевым лаком или созданием обтекаемых силуэтов из гнутой фанеры. Использование драгоценных пород дерева отсылает к традициям французских краснодеревцевщиков. Ручки изготавливали из обычной бронзы или просто заменяли их углублениями для пальцев. Популярны были сочетания черного и светлого лака. В 1933 г. Марсель Бройер, будучи членом школы Баухауза, создал первый обтекаемый стул из стальных трубок. Его проект был задуман еще в 1928 г. Находясь под впечатлением от руля своего велосипеда, Бройер первым применил стальные трубки в производстве мебели. Свободнонесущая конструкция кресла, делающая ненужными ножки, для того времени была революционной. Популярность этой формы, некогда считавшейся величайшим достижением конструкторов, сейчас выглядит банально. В некотором смысле, это кресло, изготовленное из хромированных стальных трубок, крашенного дерева и парусины, ознаменовало конец эпохи арт деко и приход «интернационального» стиля. Дизайнеры подхватили и витавшую в воздухе идею в потребности многофункциональной мебели.

К середине ХХ в. всеобщий восторг от арт деко прошел, теория функционализма подверглась критике. И в Америке в конце 50-х в искусстве возникло новое авангардное течение «поп-арт». Это было творчество индивидуалов, которые проводили перформансы и хэппенинги в своих студиях. Термин «поп-арт» впервые применил английский критик Л.Оллоуэй. Мир поп-арта - это знаки и символы, вошедшие в массовую культуру. Поп-культура соединила знаки и образы в контексты, породившие новые связи и разрушившие существующие. Самыми известными представителями поп-арта были Энди Уорхол, Роберт Рашенберг, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист. Они вдохновлялись обыденными предметами, но в сферу их интересов попали и СМИ, реклама, комиксы. В своих работах они использовали консервные банки, страницы журналов, электронику, фотографии, билеты и т.п. Предметы многократно копировались, встраивались в коллажи.
Поп-дизайн был неотделимо связан с американской мечтой потребительского рая, которая в начале 1960-х овладела всем западным миром. Идея производства долговечных, добротных товаров сменилась лозунгом «сегодня использовал - завтра выбросил». Это был прорыв в философии дизайна. Детский стул из гофрокартона Петера Мурдока, цветное пневматическое кресло из поливинилхлорида ди Паса, д,Урбино, П.Ломази стали символами распространяющейся «культуры недолговечности». Поп-дизайн с его яркими цветами, смелыми формами, дешевыми товарами стал стилем молодых. Излюбленными материалами поп-дизайнеров стали различные виды пластика, привлекавшего низкой ценой и разнообразием цвета. Энзо Мари одним из первых начал экспериментировать с пластиком. Ален Джонс создал в натуральную величину полуобнаженных красавиц, которые одновременно были предметами мебели. Тем самым он поставил вопрос о границе между искусством и функциональным дизайном. Поп-дизайн привел к «радикальному дизайну» 1970-х, а СМИ способствовали популяризации поп-дизайна.
В конце 60-х в искусстве появились «антидизайн» и «радикальный дизайн», которые боролись с геометричностью модернизма. Историю возникновения и развития движения антидизайн обычно связывают с итальянским дизайном. Здесь новое поколение архитекторов и дизайнеров не желали больше проектировать элегантные изделия и выступали против ориентированного на потребителя «бел-дизайна». Стиль антидизайна отрицательно относится к развитию современных технологий, отсюда теория «бегства» и стремление провокационно показать, что рационализм ведет к абсурду. В итоге девизом этого стиля стал лозунг «дизайн без предметов». Классическим образцом антидизайна является кресло-мешок «Sacco» дизайнеров Пьеро Гатти, Чезаре Паолини, Франко Теодоро (1968). Несмотря на антидизайнерские декларации, с точки зрения выполнения главной функции — удобства, кресло-мешок безупречен. Кожаная оболочка не туго наполнена пластмассовыми гранулами, наполнитель легко принимает форму, удобную для сидящего, и столь же услужливо меняет ее для следующего пользователя.
Радикальный дизайн возник в рамках течения «радикальная архитектура». Основными центрами его в Италии были Милан, Флоренция, Турин. Одним из «вождей» радикального стиля считается Этторе Соттсасс. Вплоть до 80-х гг. теоретические взгляды этого дизайнера оставались непререкаемыми для приверженцев радикализма в дизайне. Сторонники Соттсасса предпочитали проектированию произведений разработку альтернативной среды обитания, нового жизненного пространства. Вскоре этот стиль стал ведущим в мире дизайна, к нему примкнули такие дизайнеры, как Гаэтано Пеше, Алессандро Мендини, Андреа Бранци и многие другие. Основу движения радикальный дизайн составляли флорентийские группы Archizoom, Superstudio (1966), UFO, «Группа 9999» (1967) и школа-лаборатория Global Tools (1973), туринская - Strum (1963).
Название группы Archizoom происходит от авангардной британской архитектурной группы Archigram и журнала «Зум». Студия была основана во Флоренции в 1966г. архитекторами Андреа Бранци, Массимо Мороцци, Паоло Доганелло, Пилберто Коррети и дизайнерами Дарио Бартолини и Лючиа Бартолини. Вместе с группами Superstudio, UFO и Strum, Archizoom выступал против элегантного дизайна. Члены группы работали над выставочными инсталяциями, архитектурными объектами, дизайном интерьеров и промышленных изделий. В 1972 г. они провозгласили «право выступать против действительности, которой не хватает смысла» и действовать, изменять, формировать и разрушать окружающую среду. Члены Archizoom начали исследования и в области архитектуры и городского планирования, которые легли в основу проекта non-stop city (1970-72). Non-stop city – это архитектурный модернизм, доведенный до абсурда. Поэтому здания города представлены на их выставке огромными, крытыми, похожими на гаражи, помещениями. В их освещенных искусственным светом и снабженных системой кондиционирования интерьерах расположены среди огромных валунов туристические. Доведя до абсурда идею Бранци о постурбанистическом городе, создатели non-stop city представили свою концепцию города как организма, существующего по правилам Интернета. В то же время Archizoom работал и в области экспериментального дизайна. Все их проекты связаны с поп-культурой и китчем, отвергших претенциозность «хорошего дизайна». Наиболее известны их диваны Superonda, созданные для компании Poltronova и стул Mies. Созданная в 1969 г. пародия на стул - Mies Van der Rohe, стала их символом. Преувеличенно безвкусные кровати Dream, о которых сами дизайнеры писали: «Мы хотим принести в дом все, что раньше оставалось снаружи: нарочитую банальность, сознательную вульгарность, урбанистические элементы и порок». Но уже в 1973 г. Archizoom распался, однако теоретические исследования дизайнеров в области городского строительства, окружающей среды и медиа культуры сыграли огромную роль в формировании многих течений, возникших внутри радикального движения.
Основаннная в конце 1966 г. группа Superstudio создавала и теоретическую базу в области градостроительства и системного дизайна. «В начале, - писал один из основателей группы Адольфо Наталини, - мы создавали довольно фантастические объекты для производства их в дереве, стали, стекле, кирпиче или пластмассе. Это было вначале. Потом мы обратились к производству стульев, столов и кабинетов, но они были осознанно созданы в нейтральном стиле, критикуя потребительскую культуру и непрерывную гонку за новизной. Наконец, в 1969, мы начали проектировать пессимистические утопии такие, как Monumento Continuo…» Проект Monumento Continuo - это модульные города и ландшафты, которые можно было расширять бесконечно. Этот проект служил матрицей для конструирования новой среды обитания, свободной от давления потребительской идеологии. Уже в начале 70-х Superstudio предлагает серию столов Quaderna из белого ламината с квадратиками, нанесенными способом шелкографии. Столы из этой серии выпускаются до сих пор и пользуются спросом. Еще одна радикальная дизайнерская группа Strum (бренчание) была основана в 1963 г. в Турине. Одна из самых известных работ группы – экзотическая мебель из полиуретана «Pratone» (большой луг, 1966-70).
В 1973 г. члены различных групп радикального дизайна объединились вокруг журнала «Casaballa» и в 1974 г. организовали во Флоренции Global Tools – школу радикального дизайна и архитектуры. Global Tools открыла несколько мастерских, развивающих подход в дизайне «сделай сам» и пытались объединить обычных людей и профессиональных дизайнеров в единый дизайн-процесс. В 1975 г. Школа радикальной архитектуры и дизайна, пережив пик расцвета, была распущена: надежды на социальные изменения через дизайн и архитектуру не оправдались. Но это течение проложило путь для появления новых лидеров в мире дизайна: «Алхимия» и «Мемфис», которые заложили теоретические основы стилистическому направлению постмодернизм, - его расцвет пришелся на 80-х. гг.

Постмодернизм распространился с начала 1970-х гг. как тип мировоспрятия, согласно которому мир не устроен рационально, он сомнителен и непознаваем. Этот стиль, отрицая современный функционализм, объединил различные концепции многочисленных экспериментаторов, существовавших в это время. Еще в 1966-м в США вышла книга Роберта Вентури «Сложность и противоречия в архитектуре», где были сформулированы принципы антифункционализма. Постмодернизм не отрицает прошлое, а пересматривает его иронично, без наивности. Более широко эти принципы начали применять после издания книги Чарльза Дженкса «Язык архитектуры постмодернизма»(1977 г.). Постмодернизм стал направлением, вокруг которого консолидировались разрозненные экспериментаторы. Постулат модернизма «форма следует за функцией» был разрушен. Семантическое значение объекта стало столь же важным, что и его практический смысл. Постмодернизм обратился к декоративности и красочности, китчу и шику, индивидуальности и образной семантике элементов, к ироничности и цитированию исторических стилей, в том числе и из сюрреализма, компьютерной графики. Постмодернизм отвернулся от монохромности, от рациональных форм. Одновременно американский архитектор Роберт Стерн назвал 3 принципа или подхода этого направления: контекстуализм, аллюзианизм и орнаментализм. Один из них – подчинение архитектуры факторам, исходящей из конкретной среды и контекстов культуры; другой – введение в объект иронических намеков (аллюзий), отсылающих к историческим стилям. В начале 80-х складывалось сосуществование различных концепций, связанных на уровне скрытых культурных значений, но воплощавшихся в несхожие визуальные модели. Это и постмодернизм, и хай-тек, и деконструктивизм. Яркими представителями постмодернизма стали архитекторы: Роберт Вентури, Рикардо Бофилл, Чарльз Мур, Роб Криер, Майкл Грейвс, Альдо Росси, Ханс Холляйн. Многие из них работали и в области дизайна.
Начинавшийся в архитектуре с теоретических предпосылок, постмодернизм продолжился в дизайне в виде концепции коммерческой культуры, став, в итоге, ее частью. Постмодернизм создал новое представление о дизайне как о проектировании, ориентированном на потребителя. Он дал толчок к поискам яркого и значимого дизайна с новым смыслом и экологической моралью.
Постмодернистская группа «Мемфис» была основана в Милане в 1981 г. Сначала группа существовала как отделение студии «Алхимия» - галереи экспериментальных работ, не предназначенных для промышленного производства. Дизайн студии был элитарен и осознано интеллектуален. Придуманное лидером студии Алессандро Мендини направление «re-design» или «банальный дизайн» стало главным для «Алхимии». Один из ведущих дизайнеров, Соттсасс, который находил такой подход слишком ограниченным, покинул группу. В декабре 1980 г. несколько дизайнеров во главе с Соттсассом создали группу «Мемфис», по названию песни Боба Дилана. Название к тому же напоминало о древней египетской культурной столице и о родине Элвиса Пресли, следовательно, имело двойной и даже тройной подтекст. В сентябре 1981 г. группа впервые показала свои работы на выставке в Милане. Коллекция мебели, светильников, часов и керамики была создана интернациональной группой дизайнеров, имена которых вошли в историю современного дизайна: Hans Hollein, Shiro Kuramata, Peter Shire, Javier Mariscal, Massanori Umeda и Michael Graves. Выставка «Мемфиса» стала сенсацией в мире дизайна. С 1981 по 1988 год выставки группы с успехом прошли в Лондоне, Монреале, Нью-Йорке, Париже, Стокгольме и Токио. Стиль группы поражал анархией и при этом был привлекательным, остроумным, забавным и «несерьезным». В нем сложно выделить формообразующие черты, - он ориентирован исключительно на выражение самобытности дизайнера. Но общее, объединяющее - острота жеста, смелая игра материалами, фактурами и формами, виртуозное смешение стилей. Все было кричаще, пестро, наиграно и шутливо. Одним из любимых материалов дизайнеров стал ламинат, который ценили за «недостаток благородства». Из баров и кафетериев 50-60-х гг. он перекочевал в жилые дома. Стекло, сталь, оцинковка, алюминий, как и ламинат стали применяться в новых комбинациях. Использовались коллажи, построенные по принципу хаоса. Многие из объектов выглядели как детские игрушки.
Дизайн «Мемфиса» - это мир яркого, чистого цвета, парадоксальное его сопоставление, смесь форм, текстур и фактур, материалов, неожиданные акценты. Девизом группы стало качество и многофункциональность. Первыми клиентами стали такие известные компании, как Мandelli, Brionvega, Wella. Появились оригинальные модели станков, телевизоров, фенов для волос. Дизайнеры искали новые выразительные средства, практичные и недорогие материалы, решали многие технические вопросы самостоятельно, использовали новые знания в социологии и маркетинге и стремились не просто снабжать рынок, а с ориентацией на определенные социальные группы. В итоге это привело как в эстетическом, так концептуальном смысле к новому пониманию дизайна. Смешение тем и неназойливое цитирование стилей прошлого, используемое дизайнерами «Мемфиса», и создали стилистику постмодернистского дизайна. В 1988 г. группа распалась. Несмотря на краткость существования, феномен «Мемфиса» открыл путь антифункциональному направлению в европейском дизайне, которое получило название «хай-тек».
Термин хай-тек возник в 1978 г., его суть - в слиянии высокого стиля («high stile») и технологий («technology»). Новые технологии открыли возможности вводить символические формы, игру символов, придавать этим символам элементы гротеска и иронии. Произведения хай-тека были реализацией идей постмодернизма, правда, аллюзии из прошлого уходят лишь в середину ХIХ.К числу первых воплощений новой концепии дизайна относят Национальный центр искусства и культуры им.Ж.Помпиду в Париже (1977г.). Его авторы (архитекторы Ренцо Пиано и Ричард Роджерс) использовали пространство, состоящее из нерасчлененности площадей, и высокотехничные средства осуществления. Ярко окрашенные стальные конструкции трубчатого каркаса вынесены за пределы наружного ограждения наподобие строительных лесов. Наружу выведены и сети инженерного обеспечения. Главным элементом 6 этажного фасада стал косой зигзаг движущихся лестниц, заключенных в стеклянный цилиндр, который перересекает фасад по диагонали. Игра атрибутами технического века стла зрелищем, полным намеков, рассчитанным не на созерцание, а на вовлечение в игру. Уровни в системе культурных ценостей сместились. Хай-тек, казавшийся поначалу несерьезным стилем в дизайне, не только успешно развивался в 80-е, но активно влиял на промышленный дизайн. В конце 80-х - начале 90-х, теряя игровое начало и ироничность, хай-тек стал преображаться, использовать принципы гармоничного формообразование объектов, создаваемых с использованием высоких технологий.
Хай-тек завоевал не только архитектуру, но и дизайн жилой среды. Его основным методом здесь становится использование промышленного оборудования. Хай-тек пропагандирует внедрение в жилье мебели из стандартных металлических элементов, выпускаемых для изготовления стеллажей складов, заводов, раздевалок в бытовках. Часто использовались технические детали из военной или научной областей электоронного технического оборудования. В качестве деталей мебели используются автобусные, самолетные, зубоврачебные кресла, посудой служат, к примеру, предметы из лабораторий и т.п. Классическими примерами хай-тека в предметном дизайне являются система канцелярской мебели «Номос» Нормана Фостера (1987г.) и шкаф-контейнер Матео Туна (1985 г.).

Написать комментарий
Рейтинг записи
0
29-03-2009 12:05 (cсылка) Добавить в избранное Редактировать Удалить
Молдинг на фоне этники

Еще недавно использование лепнины в советской архитектуре считалось «излишеством». Именно поэтому целые города в советские времена застраивались однообразными коробками без единого выступа и прочих «загогулин». В результате их совершено невозможно было отличить друг от друга. Не лучше обстояло дело и с внутренней отделкой квартир. Углы, углы и еще раз углы. Некоторые — с трубами, прямыми или в виде «уток», имевшими пренеприятную особенность периодически протекать на голову соседа. Даже дорогие обои и качественная покраска не могли скрыть этот уродливый советский «молдинг». Глядя на подобные архитектурные «аксессуары» не мудрено, что в душу гражданина одной шестой части света закрадывалась тоска. И он по мере сил пытался своими слабыми силами бороться за красоту интерьера: делал ремонт, перепланировку, скрывал трубы под кафель и т.п. А в Европе и Америке при оформлении интерьеров никогда не проходила мода на профилированные архитектурные украшения - молдинг. В убранстве английской, итальянской или американской жилой комнаты каноном является наличие трех ярусов архитектурных «тяг» — это верхний карниз или венчание (crawn rail), плинтус или база (base rail) и средняя тяга (chair rail), как правило, на уровне спинки стула. Непременные элементы интерьера - розетки под люстры, балясины для ограждений лестниц — пилястры, а для более сложных интерьеров — ордерные колонны. С помощью настенных и потолочных украшений, лепных или вытесанных из камня, европеец или американец мог в соответствии со своим вкусом и финансовыми возможностями выбрать отделку от античного или средневекового стиля до византийс-кого и воспроизвести хоть рыцарский замок, хоть интерьер будуаров фавориток «пронумерованных» королей — Людовиков!
Ныне в России происходит возрождение моды на использование архитектурного профиля в интерьерах квартир. На то есть несколько причин. Люди ищут в доме успокоения, отдохновения, уюта. Дома человек расслабляется, и в то же время собирается с силами, накапливает энергию для дальнейшей борьбы за существование. Девиз: мой дом – моя крепость, актуален как никогда, но это не значит, что надо отгораживаться от бурного внешнего мира высоченными заборами из красного кирпича с башнями и бойницами. Какими средствами добиться, чтобы жилье было уютным, стильным и восстанавливающим силы?
Создание комфортной атмосферы невозможно без «членения» стен с помощью цвета и других средств. Этот дизайнерский прием дает отдых глазу и душе. Всегда следует помнить о благоприятном воздействии на глаз светотени. Вместе с движением солнца по горизонту и переменами погоды восприятие интерьера квартир меняется, и никогда не проходит чувство новизны. «Нерасчлененные» стены создают ощущение монотонности. Недаром в традиции классической архитектуры обязательно разделение стен зеркалами. Современные дизайнеры обрамляют зеркала узорными рамами из лепнины. Востребованы и другие элементы архитектурных украшений классических стилей — ренессанса, классицизма, барокко, ампира – колонны. Колонны в квартире? Да, именно колонны, из полиуретана, но соответствующие по стилю филигранным работам древних мастеров. Полиуретан получают в результате химических реакций, протекающих при смешивании исходных компонентов - полиэфира, воды, диизоцианита, эмульгаторов и катализаторов. Производят жесткий и эластичный полиуретан. Жесткий обладает высокой механической прочностью, устойчивостью к износу, химической и биологической стойкостью, легок, экономичен в обработке, экологически чист. Все элементы колонн могут разбираться и легко монтироваться на месте. Колонны эффектнее смотрятся в сочетании с настенными нишами. Ниши ныне предлагаются в достаточном ассортименте. Картуши, ниши как дополнительные объемные украшения могут компоноваться и с зеркалами, и с колоннами, и с пилястрами. Сочетаясь все эти элементы 09образуют определенный ритм, атмосферу. С ними могут компоноваться картины и классические статуи. Они уместны у лестничных проходов. Остались в прошлом настенные ковры и другие символы зажиточности при социализме. Кстати, при желании дополнить интерьер можно и настенными панно ручной работы. Разумеется, все должно быть выдержанно и лаконично. Тогда возникнет ощущение гармонии. Нагромождение элементов ведет к провинциализму и пошлости.
В традиции классических стилей выделение отдельных фрагментов стены пилястрами или обрамление тонкими профилями — филенками. Филенки могут быть прямолинейными и изогнутыми, порой циркульными и овальными. Другой прием состоит в обработке «профилем» неприятных зон комнат, вызывающих психологический дискомфорт. К ним относятся линии перелома плоскостей, сопряжения стен, потолка, пола. Для дизайнеров и оформителей модных ультрасовременных интерьеров характерны многоуровневые потолки, сложные криволинейные стены, умело используются специальные профили для окантовки стыков и переломов поверхностей. Технологические причины использования «молдинга» в том, чтобы смягчить грубость, резкость форм и переходов. Акцентируются нюансы, которые создают атмосферу изысканности. А создать его исключительно средствами плоской композиции, например раскраски в несколько цветов, почти невозможно. Какой бы «высокой» ни была технология возведения стен и перегородок, практически невозможно выполнить идеальное сопряжение стен и потолка, в углах и на стыке с полом. Архитектурные профили во все эпохи позволяли скрыть недостижимость идеальной поверхности стен, спрятать несовершенство сопряжений.
Раньше элементы архитектурного убранства вытачивались из камня, отливались из гипса. Но массивный гипсовый карниз надежно укрепить на легкой гипсокартонной перегородке и фальшпотолке затруднительно. На смену тяжелому, растрескивающемуся гипсу пришел вспененный полиуретан. Качества этого нового материала в сочетании с современными технологиями позволили создать широчайший ассортимент элементов декоративной отделки для создания неповторимых интерьеров. Полиуретан к тому же не желтеет с годами, не теряет четкости рельефа и рисунка, не трескается. Наиболее известным изготовителем лепных украшений по праву считается GAUDI DECOR. Изделия этой фирмы известны во всем мире и пользуются высоким спросом на российском рынке. Карнизы с узорчатой резьбой настолько разнообразны, что могут удовлетворить самый взыскательный вкус. Сами рисунки лепнины варьируются от декора эпохи Римской империи до строгих линейных профилей современных тем. Карнизы между стенами и потолком дополняются потолочными розетками, тем более необходимыми к люстре или даже простому абажуру. Не обходится отделка интерьера без бордюров и орнаментов. Причем все они могут быть с успехом применены как на стенах, так на потолке. Не забыты дизайнерами и двери. Для них также предусмотрен целый ассортимент бордюров и пилястр. Отделанные наравне со стенами и потолком лепными украшениями двери удачно вписываются в интерьер гостиной, придавая жилищу эстетическую завершенность. Поэтому для создания престижного имиджа в оформлении интерьеров частных особняков и представительских офисов всегда для завершения отделки используется система архитектурных профилей. Молдинг - обязательный стиль оформления эксклюзивных интерьеров таких всемирно известных отелей экстра класса как «Риц», «Фор Сизонз», «Хай-ят Ридженси», элитных квартир и богатых офисов во всех уголках мира.
И последнее. На сегодняшний день очень популярен этнический стиль в оформлении интерьера. Что неудивительно, ведь это верный способ придать жилью индивидуальность и самобытность. Тем, кто хочет декорировать интерьер своего жилища в соответствии с модной сегодня тенденцией – этно, полезно познакомиться с наиболее востребованными примерами обстановки в этническом стиле. По мнению дизайнеров, наиболее востребованный этностиль – японский, или как его часто называют, японский минимализм, отличающийся стремлением к простоте и функциональности, африканский, марокканский.
Основное правило японского минимализма - отсутствие лишних предметов. В отличие от привычных нам жилищ, где все предметы мебели и быта стоят по периметру комнат, в восточном доме, посередине комнаты располагают какой-либо объект - очаг, алтарь, бонсай и т.д., который выступает центром композиции интерьера. С помощью ширм, занавесей, перепадов пола, раздвижных перегородок дом разделен на «функциональные зоны». Ширмы делают пространство квартиры легким и прозрачным; переставляя их, можно обновлять интерьер хоть каждый день. Все вещи, домашняя утварь прячутся во встроенных шкафах. Если невозможно сделать встроенные шкафы, то можно обойтись маленькими комодами с беспорядочно расположенными выдвижными ящичками. В такой интерьер прекрасно вписывается скромная невысокая мебель, диванчики и столы разной высоты. При оформлении интерьера в стиле минимализма используется 1-2 цвета. Самые актуальные для этого стиля цвета – это белый, черный, серый, иногда кремовый и его оттенки. В настоящее время минимализм терпит изменения, происходит отступления от строгих правил, и разрешается использование какого-нибудь яркого элемента. Приветствуются всевозможные ковры и циновки с характерными восточными мотивами: иероглифы, изображения листьев или цветов. Текстиль преимущественно натуральный - хлопок и шелк, как правило, естественных тонов. Поверхность мебели и стен гладкая, нефактурная. В качестве компонентов покрытий, предназначенных для декорирования, выступают соломка, рафия, джут, сизаль, бамбук и другие растительные материалы; украшением интерьера считается карликовое дерево «бонсаи». Интерьер, выполненный в японском минимализме, подойдет очень организованному, аккуратному человеку, любящему порядок, ведь каждая вещь в подобном доме имеет свое место и должна всегда там находиться, чтобы не нарушать гармонию интерьера.
Африканский стиль в отличие от японского динамичен, ярок, импульсивен. Еще в 1920-1930-х гг. в Европе с распространением стиля арт деко с его стремлением к роскоши возник интерес к африканской экзотике. Бешеной популярностью стали пользоваться кожа питона, крокодила, древесина палисандра, пальмы; в интерьере появились шкуры зебры, жирафа. Африка продолжает вдохновлять дизайнеров до сих пор. Желание внести в свою жизнь больше эмоций и остроты подвигает к созданию африканского колорита в своем жилище. Первостепенную роль в афроэтническом интерьере играют цветовая гамма, орнаменты и рисунки в наивном стиле, а также различные изготовленные ручным образом аксессуары. Африканские цвета это - различные оттенки красного, желтого, коричневого: терракотовые, кирпичные, песчаные и другие. Цветовые сочетания строятся на контрасте светлого и темного. Очень часто в качестве такого контрастирующего цвета используют черный, которым окрашивают бордюры и другие отдельные элементы интерьера или мебели. Несомненно, в доме должны присутствовать деревянные блюда, вазы, бронзовые скульптуры, ритуальные маски. Главное - не переусердствовать с их количеством. Хорошим фоном для декоративных элементов служат каменные, побеленные или грубо оштукатуренные стены. Пол отличается простой отделкой: доски, плитка, возможен ламинат под экзотическую древесину. В таком интерьере будут уместны шерстяной ковер ручной работы, любой другой текстиль плетеный или вязаный, но желательно яркой расцветки и из натуральных материалов. Мебель может быть не только деревянной, но и кованой, и плетеной.
Дизайнеры считают, что совсем не обязательно весь свой дом стилизовать полностью под японское или африканское жилище. Достаточно несколько штрихов, чтобы внести в помещение этноколорит. Яркие декоративные элементы этники прекрасно сочетаются с современной отделкой, и будут оригинально смотреться и в детской, и в гостиной, и в спальне. После установки декора в квартире каждому захочется, как говаривали на Руси, снять шапку. Перед красотой и великолепием.

Опубликовано:	23.05.2009 16:03
Просмотров:	9182
Рейтинг:	0
Комментариев:	0
Добавили в Избранное:	0

От модерна до хай-тек

Ваши комментарии

Чтобы оставить комментарий необходимо авторизоваться